Es gibt Künstler, deren Werke man einfach nur betrachtet. Und es gibt Künstler, deren Werke den eigenen Blick verändern. Constantin Brâncuși gehört bestimmt zur zweiten Kategorie. Seine Skulpturen erzählen keine Geschichten, sie illustrieren nichts und verzichten auf jede Form rhetorischer Geste. Sie sind still – und gerade deshalb von erstaunlicher Intensität und Aktualität. Die Ausstellung in der Neuen Nationalgalerie Berlin, die erste seit seiner Schau im Wilhelm-Lehmbruck-Museum Duisburg und in der Kunsthalle Mannheim 1976, führt eindrucksvoll vor Augen, weshalb Brâncuși bis heute als einer der großen Erneuerer der Bildhauerei gilt. Sie demonstriert auch, dass seine Kunst weit mehr ist als die oft zitierte Reduktion auf das Wesentliche. Sie ist eine Kunst des Sehens.
Räume wirken wie Musikkompositionen
Schon beim Betreten der Ausstellung unter dem schlichten Titel „Constantin Brâncuși“ in der Neuen Nationalgalerie, einer Kooperation mit dem Centre Pompidou in Paris, entsteht der Eindruck, dass die Architektur von Ludwig Mies van der Rohe auf dieses grandiose Œuvre gewartet hat. Die Transparenz des Gebäudes, seine klaren Proportionen und das wechselnde Tageslicht bilden keinen neutralen Hintergrund, sondern werden selbst Teil der Inszenierung. Brâncușis Skulpturen reagieren auf das Licht, sie reflektieren und absorbieren es oder lassen es über ihre Oberflächen gleiten. Die Räume wirken dadurch beinahe wie Musikkompositionen. Zwischen den Werken entstehen Pausen, Rhythmen und Resonanzen: Eigenschaften, die in Zeiten spektakulärer Blockbuster-Kunstevents eine wohltuende Wirkung entfalten.
Enge Verbindung von Handwerk und Spiritualität
Constantin Brâncuși wurde am 19. Februar 1876 im rumänischen Dorf Hobița geboren. Seine Herkunft aus dem ländlichen Oltenien hat sein Werk tiefer geprägt, als es die Kunstgeschichte lange wahrhaben wollte. Die schlichten Holztore, die geschnitzten Pfeiler, die symbolhaften Ornamente der rumänischen Volkskunst und die enge Verbindung von Handwerk und Spiritualität finden sich in seinen Skulpturen wieder, allerdings nicht als folkloristische Zitate, sondern als geistige Haltung. Als Brâncuși am 14. Juni 1904 nach Paris kam, brachte er eine andere Vorstellung von Form mit. Während die europäische Bildhauerei noch immer stark vom akademischen Naturalismus geprägt war, suchte er nach einer universellen Sprache, die Kulturen und Zeiten überschreiten konnte.
Bewegung wird zur Form
Brâncușis kurze, nur einen Monat dauernde Mitarbeit im Atelier Auguste Rodins ist legendär geworden. Ebenso legendär wie sein Entschluss, dieses wieder zu verlassen. „Im Schatten großer Bäume wächst nichts“, erklärte er später. Dieser Satz wurde häufig als Ausdruck künstlerischer Emanzipation verstanden. Tatsächlich beschreibt er weit mehr: den Wunsch, den Ballast der Nachahmung hinter sich zu lassen und die Bildhauerei von Grund auf neu zu denken. Brâncuși wollte nicht darstellen, sondern offenbaren, was sich hinter den Figuren versteckt: „Le Baiser“ (Der Kuss) verdichtet zwei Liebende zu einem einzigen Block. „La Muse endormie“ (Die schlummernde Muse) verwandelt einen Kopf in ein Symbol vollkommener innerer Ruhe. Und „L’Oiseau dans l’espace“ gehört zu den kühnsten Werken der Moderne, weil es nicht den Vogel darstellt, sondern die Idee des Fliegens selbst. So wird Bewegung zur Form. Dabei spielt das Material eine ebenso wichtige Rolle wie die Skulptur. Holz bleibt Holz, Stein bleibt Stein, Bronze wird nicht verborgen, sondern in ihrer Eigenart gefeiert. Besonders die hochglanzpolierten Bronzen besitzen eine fast immaterielle Wirkung. Ihre spiegelnden Oberflächen lösen die Grenze zwischen Werk, Raum und Betrachtenden auf. Das Kunstwerk verändert sich mit jedem Schritt des Publikums. Es scheint weniger Objekt als Ereignis zu sein.
Fotografie als Fortsetzung der Bildhauerei
Die Berliner Ausstellung, in der über 150 Skulpturen, Fotografien, Zeichnungen, Filmen und bisher kaum gesehenen Archivmaterialien aus dem Centre Pompidou sowie aus weiteren privaten und öffentlichen internationalen Sammlungen präsentiert werden, macht deutlich, dass Brâncuși niemals nur Bildhauer war. Er war auch ein außergewöhnlich sensibler Fotograf seiner eigenen Arbeiten. Nachdem ihn die Reproduktionen seiner Skulpturen in Ausstellungskatalogen enttäuscht hatten, begann er selbst zur Kamera zu greifen. In seinem Pariser Atelier entwickelte er Fotografien, experimentierte mit Belichtung, Perspektive, Lichtführung und schuf Bilder, die heute als eigenständige Kunstwerke gelten. Für Brâncuși waren die Fotografie und später auch der Film, deren Möglichkeiten ihm sein Freund Man Ray eröffnete, keine Mittel der Dokumentation, sondern eine Fortsetzung der Bildhauerei mit anderen Instrumenten. Mit deren Hilfe wollte er sichtbar machen, dass jede Skulptur unter dem Einfluss von Licht und Schatten ihr Aussehen verändern, von allen Seiten betrachtet, erfasst und regelrecht in Szene gesetzt werden kann.
Das Atelier als Gesamtkunstwerk
Ebenso revolutionär war sein Verständnis des Ateliers. Anders als viele seiner Zeitgenossen betrachtete Brâncuși den Arbeitsraum nicht als Werkstatt, sondern als Gesamtkunstwerk. Er verschob Skulpturen, veränderte Sockel, experimentierte mit Blickachsen und schuf immer neue Konstellationen. Die Werke standen miteinander in Beziehung wie Figuren einer Choreografie. Wer das originalgetreu rekonstruierte Atelier gegenüber dem Centre Pompidou in Paris besuchte, erlebte keine Ansammlung einzelner Skulpturen, sondern einen künstlerischen Kosmos, in dem jede Form ihren Platz besitzt. Die Berliner Ausstellung kann dieses Atelier naturgemäß nicht reproduzieren, doch sie zeigt es – zu ersten Mal außerhalb Frankreichs – in Form einer Teilrekonstruktion mit einem von Brâncuși gefertigten Türbogen aus Eichenholz, der zu einem Arbeitsraum mit einem monumentalen Kalksteinkamin, Holzhockern, Gipstischen, Schleifsteinen und Bildhauerwerkzeugen führt. In seinem Atelier am Montparnasse in Paris stellte Constantin Brâncuși seine Werke wie in einem Museum aus. Die Objekte waren bewusst und mit gezielter Beleuchtung inszeniert. Daneben befanden sich auch seine selbst gebauten Möbel. Es waren alle Entstehungsphasen seiner Kunstwerke zu sehen, vom Materialrohling bis hin zur fertigen Skulptur. In einer Ecke des Ateliers entwickelte der Künstler sogar die Fotos, die er selbst von seinen Werken machte. Nach seinem Tod am 16. März 1957 hinterließ Constantin Brâncuși dem französischen Staat das Atelier mit 215 Skulpturen und über 500 Fotos, sowie seine Bildhauerwerkzeuge. Später wurde dieses Atelier genau nachgebaut und wie ein Museum im Museum vor dem Centre Pompidou aufgestellt.
Monumental und ephemer
Constantin Brâncuși schuf sein größtes Werk im Auftrag des Staates Rumänien. Es ist die dreiteilige Arbeit – „Der Tisch des Schweigens“, „Das Tor des Kusses“ und „Die Unendliche Säule“– die in der Stadt Târgu Jiu am Fluss Jiu steht und an die gefallenen rumänischen Soldaten des Ersten Weltkrieges erinnert. Weltweit bekannt ist vor allem „Die Unendliche Säule“, welche, 1938 eingeweiht, der Bildhauer als seine „Himmelsleiter“ bezeichnete. Sie ist 29,35 Meter hoch und besteht aus 16 gusseisernen, mit vergoldetem Messing überzogenen Teilen. Ein beeindruckendes Monument, das gleichermaßen ephemer wirkt, sich glänzend dem Himmel entgegen streckt und schon aus der Ferne ins Auge fällt. Das Fundament ist 5 Meter tief in die Erde gegossen, damit es die 29 Tonnen schwere Konstruktion tragen kann. Immer wieder tauchen die in dieser Skulptur sichtbaren Elemente im Werk des Künstlers auf, zum Beispiel bereits 1928 in der „Endlosen Säule III“, die in der Neuen Nationalgalerie auch besichtigt werden kann.
Kunst als Erfahrung des Sehens
Gerade darin liegt Brâncușis erstaunliche Aktualität. Lange bevor Minimal Art, Installation oder Konzeptkunst den Ausstellungs- oder den öffentlichen Raum zum Bestandteil des Werkes erklärten, hatte er erkannt, dass Kunst immer eine Erfahrung des Sehens ist. Seine Arbeiten, darunter die zum Teil androgynen Objekte, Köpfe, aufs Wesentliche reduzierten Tierfiguren, verlangen keine kunsthistorischen Vorkenntnisse. Sie erfordern lediglich Geduld: eine Tugend, die im heutigen Museumsbetrieb beinahe subversiv wirkt. Wer seine Ausstellung in der Neuen Nationalgalerie verlässt, nimmt deshalb mehr mit als die Erinnerung an einige berühmte Skulpturen. Plötzlich erscheint das Verhältnis von Licht und Schatten, von Oberfläche und Raum, von Einfachheit und Komplexität in einem neuen Zusammenhang. Vielleicht ist dies die größte Leistung Brâncușis: Er offenbart, dass wahre Einfachheit niemals Verzicht bedeutet, sondern Konzentration, das heißt: geschärftes Sehen. In einer Welt, die immer lauter, schneller und visueller wird, entfalten seine Werke eine überraschende, zugleich belebende und beruhigende Kraft. Sie erinnern daran, dass Kunst nicht fortwährend mehr zeigen muss, um mehr zu sagen. Oder, wie Constantin Brâncuși es ausdrückte: „Kunst ist nicht das, was du siehst, sondern das, was du anderen sichtbar machst.“
Text & Fotos © Urszula Usakowska-Wolff
Brancusi
20.03.2026 bis 09.08.2026
Neue Nationalgalerie
Kuratiert von Klaus Biesenbach und Maike Steinkamp, Neue Nationalgalerie
sowie von Ariane Coulondre und Valérie Loth, Centre Pompidou, Paris
Sonderöffnungszeiten
am Freitag, 7. und 8. August von 10 bis 20 Uhr
sowie am Sonntag, 9. August, von 10 bis 18 Uhr